古典好莱坞电影

克拉克·盖博和费雯丽在《乱世佳人》中，当时票房最高的电影。

古典好莱坞电影（英语：Classical Hollywood cinema or classical Hollywood narrative），是电影史所用的术语，指美国电影业在1910年至1969年间制作电影所用的视觉和声音风格。这段时期也经常被称为“好莱坞的黄金时代”。这一时期出现的有代表性的电影风格被称作古典好莱坞风格。

经典风格从根本上是基于连贯剪辑系统，亦称“无形”风格（"invisible" style），即摄像机和背景音乐不应该引起观众对它们本身的注意。

历史

几千年来，叙事艺术的唯一视觉标准就是戏剧。自1890年代中后期第一部叙事电影问世以来，电影制作人一直致力于在电影银幕上捕捉现场戏剧的力量。这些电影制作人大多是19世纪末舞台上的导演，同样，大多数电影演员也都出身于杂耍剧（例如马克思兄弟）或戏剧情节剧。从视觉上看，早期的叙事电影很少改编自舞台剧，其叙事也很少改编自杂耍剧和情节剧。在被称为“古典连续性”的视​​觉风格出现之前，场景都是以全景拍摄的，并使用精心编排的舞台来描绘情节和人物关系。编辑技术极为有限，并且主要包括物体上书写的特写镜头，以便于辨认。

尽管缺乏舞台所固有的真实感，但电影（与舞台不同）提供了操纵表观时间和空间的自由，从而创造了现实主义的幻觉——即时间的线性和空间的连续性。到了1910年代初，当“失落的一代”逐渐成年时，电影制作开始发挥其艺术潜力。在瑞典和丹麦，这段时期后来被称为电影的“黄金时代”；在美国，这种艺术变革归功于D·W·格里菲斯等电影制作人最终打破了爱迪生托拉斯的控制，使电影摆脱了制造业的垄断。

世界各地的电影开始明显采用经典好莱坞电影中的视觉和叙事元素。1913年对电影媒体来说是硕果累累的一年，来自多个国家的先锋导演制作了《母爱之心》（D·W·格里菲斯执导）、《英格博格·霍尔姆》（维克多·斯约史特洛姆执导）和《巴黎的孩子》（莱昂斯·佩雷执导）等影片，为电影作为一种叙事形式树立了新标准。这也是叶甫盖尼·鲍尔（乔治·萨杜尔所说的第一位真正的电影艺术家）开始他短暂但多产的职业生涯的一年。

黄金时代

有声电影时代的开始本身的定义就比较模糊。对某些人来说，这一切始于1927年上映的《爵士歌手》，当时正值战间一代成年之际，随着声音被引入长片，电影的票房收入也随之增加。对其他人来说，这个时代始于1929年，当时无声电影时代彻底结束。从1920年代末到60年代，大多数好莱坞电影都严格遵循一种类型—西部片、喜剧片、音乐剧片、动画片和传记片—而且相同的创作团队经常在同一家制片厂制作的电影上工作。例如，塞德里克·吉本森和赫伯特·斯托特哈特(Herbert Stothart) 一直在米高梅电影公司工作；艾佛瑞·纽曼在二十世纪影业工作了二十年；塞西尔·德米尔的电影几乎都是在派拉蒙影业制作的；导演亨利·金的电影大多是为二十世纪影业制作的电影。同样，演员也大多是合约演员。电影历史学家指出，电影花了大约十年的时间才适应声音并恢复到无声电影的艺术品质水平，直到1930年代末最伟大的一代成年时才做到这一点。

这段时期出现的许多伟大的电影作品都是高度规范的电影制作。之所以会出现这种情况，是因为尽管制作了如此多的电影，但并不是每部电影都必须大获成功。电影公司可以冒险拍摄一部具有良好剧本和相对不知名演员的中等预算的电影。 《大国民》（1941年）就是这种情况，该片由奥森·威尔斯执导，被认为是有史以来最伟大的电影之一。其他意志坚定的导演，如霍华德·霍克斯、亚弗列·希治阁和弗兰克·卡普拉为了实现自己的艺术梦想而与电影公司展开斗争。制片厂制的顶峰可能是1939年，这一年上映了《绿野仙踪》、《乱世佳人》、《钟楼怪人》、《驿马车》、《史密斯游美京》、《妮娜琦珈》、《林肯传》、《万世流芳》（Beau Geste）、《万世师表》（Goodbye, Mr. Chips）、《古庙战茄声》（Gunga Din）、《咆哮山庄》等经典电影。